Pour être honnête, je n'ai pas grandi avec un plan clair et linéaire.
Aujourd'hui, je me décris comme une artiste multidisciplinaire — je travaille à travers l'animation, l'illustration et la musique — mais l'animation a toujours été mon ancre. C'est la chose vers laquelle je reviens sans cesse, peu importe le medium avec lequel j'expérimente.
J'aime les choses qui sont bruyantes, subversives et un peu insolentes.
Pour moi, la créativité est une expression de l'âme. C'est désordonné, décousu, et ça parle un langage qui lui est propre. C'est regarder le monde avec le même émerveillement qu'on avait enfant.
Mais au lycée, je n'avais pas du tout cette clarté.
Le lycée : tiraillée entre passion et « praticité »
Au lycée, j'étais coincée entre ce que je percevais comme deux mondes complètement différents : les beaux-arts et l'économie. Les traiter comme des disciplines séparées semblait davantage être une commodité administrative qu'une vérité.
Quelque part en chemin, on nous a vendu le mensonge que notre passion et notre profession devraient être alignées. C'est franchement très présomptueux et ça donne aux entreprises un peu trop de crédit à mon goût. Le travail de toute une vie se reflète rarement dans l'emploi qu'on occupe pour payer ses factures. Les choses qui nous façonnent le plus n'ont pas besoin d'exister dans un programme académique ou une trajectoire professionnelle pour valoir la peine d'être poursuivies.
Alors oui, j'ai continué à m'intéresser à l'économie de manière informelle, et ça s'est transformé en un intérêt profond pour l'histoire et la politique. C'est quelque chose que j'intègre désormais dans chaque chose que je crée.
J'ai suivi le programme IB en terminale et en première, et mes choix de matières reflétaient cette confusion :
- Niveau supérieur : Physique, Économie, Art
- Niveau moyen : Anglais, Espagnol AB, Mathématiques
En y repensant, ces choix étaient davantage guidés par la peur que par la clarté. Je pense que beaucoup d'étudiant·e·s — surtout ceux et celles qui envisagent des domaines créatifs — négocient constamment avec cette idée de sécurité. On commence à penser :
- « Si je prends la physique, peut-être que je pourrai faire de l'architecture. »
- « Si je prends l'économie, peut-être que je pourrai monter une entreprise. »
Il y a une certaine forme de pudibonderie corporative qui influence la façon dont les gens pensent à l'art. Ces récits te sont vraiment imposés quand tu es enfant, mais la vérité, c'est que tu n'as pas besoin d'un emploi élitiste pour prouver que tu as accompli quelque chose.
En dehors des études, j'ai toujours créé. J'avais beaucoup d'accès et beaucoup d'encouragements, alors j'ai saisi ce privilège et j'en ai profité à fond. J'ai chanté aussi loin que je m'en souvienne, en me produisant tout au long de ma vie.
À l'école, je me suis jetée dans tout ce qui touchait à l'art ou au design. Finalement, j'en suis arrivée au point où, si quelque chose avait besoin d'être designé, j'étais la première personne à laquelle les gens pensaient.
Postuler à l'université : deux futurs très différents
Au moment de postuler, j'ai réduit mes choix à deux options principales :
- Carnegie Mellon University (Économie et Design)
- Rhode Island School of Design (Animation)
J'ai été admise dans les deux.
Ça semblait être une décision difficile sur le papier, mais mon raisonnement était étonnamment simple. J'ai choisi RISD parce que je croyais en la communauté plutôt qu'en l'institution. Je ne ressentais pas la même énergie créative dans l'environnement artistique de CMU, et ça comptait plus pour moi que tout le reste.
À l'époque, mon rêve était assez conventionnel — je voulais travailler dans un grand studio d'animation comme Disney.
Quatre ans d'école d'art ont compliqué tout ça. Tandis que mon intérêt pour la politique s'approfondissait — notamment autour des questions de travail, de propriété et de production éthique — ce rêve ne tenait plus aussi bien. J'ai commencé à voir ces studios pour ce qu'ils étaient vraiment : des entreprises avec leurs propres priorités, guidées par le profit, la hiérarchie et le contrôle.
Ça n'a pas tué le rêve pour autant. Ça l'a recadré. J'ai commencé à penser davantage à l'art communautaire et à l'interaction. Ça m'a rendue plus intéressée par le comment et le pourquoi les choses sont faites, pas seulement par ce qui est fait.
Je pense qu'une partie de moi — combinée à beaucoup d'angoisse adolescente — avait l'habitude de se dire « personne ne me comprend ». Mais en y repensant, ce n'était même pas que personne ne me comprenait ; je ne pense pas que je me comprenais moi-même. Je n'en avais vraiment jamais eu le temps. Entre l'école et tout ce que le lycée exige, il n'y a tout simplement pas d'espace pour vraiment s'asseoir avec soi-même.
Je le vois encore maintenant avec ma sœur. Elle vient de terminer ses examens, et je l'ai regardée passer trois jours sans dormir. Ça ne me semble pas être de l'apprentissage ou de la productivité — ça ressemble à de la torture. Ça te fait te demander pour quoi ces systèmes sont vraiment conçus, parce que ce n'est pas à ça que devrait ressembler l'apprentissage.
À RISD, c'est intéressant parce que, à bien des égards, ça existe dans une bulle de privilège. Il y avait beaucoup de personnes avec de l'accès — accès à la richesse, aux réseaux, au monde de l'art. Le monde de l'art lui-même peut être incroyablement exclusif et élitiste. RISD n'en est pas exempt. Je ne veux pas affirmer que c'est le meilleur endroit au monde, parce qu'il a de vraies failles, et il serait injuste de les ignorer.
En même temps, être entourée d'artistes m'a poussée à réfléchir plus profondément, non seulement à l'art, mais à moi-même, à l'origine de mes idées, et à ce que l'art signifie vraiment dans ma vie. Je crois fermement que l'art est intrinsèquement politique, et une grande partie du travail que je crée maintenant est intentionnelle dans ce sens. J'essaie de m'assurer que mon travail ne sort pas du vide, mais qu'il est ancré dans le monde qui m'entoure.
La candidature à RISD : ce qui m'a vraiment permis d'être admise
Je pense qu'il y a un énorme malentendu sur les admissions en école d'art. Tu n'as pas besoin d'être excellente dans tous les domaines ou d'avoir atteint la perfection technique à 18 ans.
Oui, mes notes étaient bonnes (je tournais dans les 90, je crois).
La candidature comprenait un portfolio, le devoir de candidature RISD, les activités Common App et mon essai Common App (qui portait sur ma peur des papillons depuis toujours — quelque chose dont mes proches étaient convaincus qu'il me ferait rejeter). Mes activités comprenaient des activités liées au design (diriger l'équipe design du MUN de mon école et d'autres activités de leadership similaires), et la musique, parce que c'est quelque chose à quoi j'ai consacré beaucoup de temps depuis mon enfance.
Mais ce qui comptait bien plus, c'était la force de mes idées dans mon portfolio.
Mon portfolio était essentiellement divisé en portrait, paysage, concept et abstraction. Il montrait les différentes façons dont je regardais les choses — parfois à travers les personnes, parfois à travers l'environnement, et parfois en réduisant tout à son idée ou sa forme la plus simple.
RISD, en particulier, est une école qui se targue de travaux expérimentaux et d'exploration des matériaux, et je voulais que mon portfolio reflète cela. J'ai abordé chaque pièce avec une approche médias mixtes, permettant à la sculpture, à la broderie et au numérique de coexister de manière assez cohérente dans mon portfolio.
Je n'exagère pas quand je dis que j'ai construit la majeure partie de mon portfolio en moins de deux mois. C'était chaotique — je jonglais en même temps avec les soumissions IB, à peine en train de dormir — mais ça m'a forcée à m'engager pleinement sans trop réfléchir.
RISD ne cherche pas la maîtrise technique ; ils cherchent la clarté de pensée. Ils demandent : comment vois-tu le monde, peux-tu reconnaître les patterns dans ton propre travail, et tes choix sont-ils intentionnels ?
Les portfolios de lycée les plus forts que j'ai vus n'étaient pas techniquement parfaits, mais ils étaient réfléchis. Et c'est ce qui compte vraiment.
Les notes comptent-elles pour l'école d'art ?
C'est quelque chose qui préoccupe beaucoup d'étudiant·e·s.
D'après mon expérience, les notes comptaient plus pour moi qu'elles ne comptaient pour RISD.
Je pense que ce que les institutions essaient vraiment d'évaluer, c'est la curiosité. J'adore apprendre, et c'est la perspective qui compte à l'université. En fin de compte, créer de l'art est une forme de résolution de problèmes :
- Tu as une idée
- Tu trouves comment l'exécuter
- Tu navigues dans les contraintes (matériaux, temps, ressources)
Pour moi, ce processus n'est pas si différent de la résolution d'une équation mathématique.
Le problème, c'est que beaucoup de systèmes éducatifs — surtout en Inde — privilégient la mémorisation sur la pensée critique, où beaucoup se contentent de régurgiter des informations qu'on leur a aveuglément fournies. On peut avoir d'excellentes notes sans nécessairement s'engager profondément avec ce qu'on apprend.
Ce qui se démarque à la place, c'est : ta capacité à penser, à questionner, et à aborder les problèmes avec une imagination non bridée.
Le IB a-t-il aidé ?
C'est compliqué.
Le IB peut être utile — mais ça dépend beaucoup de ton école et de tes professeurs. Le programme lui-même ne garantit pas un certain type de pensée. Dans mon cas, certains professeurs étaient formidables et d'autres… pas tellement.
Le IB m'a aidée d'une manière spécifique : gérer la charge de travail. RISD est intense, et le IB m'a préparée à ce volume de travail.
Mais en termes de pensée créative ? Une grande partie de ça venait de l'extérieur de la salle de classe.
Honnêtement, certaines de mes inspirations artistiques les plus significatives viennent simplement d'observer et de parler aux gens. Certaines de mes meilleures inspirations me sont venues à travers des choses apparemment banales comme un chauffeur de bus tapotant sur le volant en écoutant de la musique, ou quelqu'un marchant dans la rue en se laissant emporter par la musique. Essentiellement, faire attention à la façon dont les gens existent et interagissent dans le monde réel.
Ce type d'observation a influencé mon travail plus que n'importe quel programme structuré, même à l'université. Peut-être que tu peux économiser ton argent.
La vie académique à RISD
RISD est à la fois libérateur et exigeant.
- Les cours en studio durent 6 heures, trois fois par semaine
- Il y a une énorme quantité de travail en dehors des cours
- Personne ne te force à exceller — soit tu te pousses toi-même, soit tu ne le fais pas, tu dois choisir de te tenir responsable
Tu peux :
- Faire le strict minimum et réussir
- Ou t'immerger complètement et passer des nuits en studio
J'ai choisi la seconde option.
L'un des plus grands ajustements pour moi a été de m'éloigner de la motivation basée sur les notes. Pendant la majeure partie de ma vie, j'avais créé pour obtenir de la validation : des notes, de l'approbation, des résultats.
À RISD, j'ai dû apprendre à créer pour moi-même.
Et c'est plus difficile que ça en a l'air.
Explorer au-delà de l'animation
Honnêtement ? Je parle juste beaucoup avec les gens. Le monde te parlera si tu lui en laisses la chance.
J'ai aussi beaucoup étudié l'histoire, la biologie et la théorie politique. J'ai eu l'opportunité vraiment cool de suivre un cours de physique quantique avec un professeur du MIT qui avait obtenu un diplôme en physique et avait ensuite choisi d'explorer l'art holographique à RISD. Je faisais en sorte de demander à mes professeurs leur parcours pour apprendre d'eux au-delà des matières académiques — leurs trajectoires créatives et comment leur vie avait façonné leur chemin. J'ai aussi approfondi mon intérêt pour l'histoire, en particulier la Seconde Guerre mondiale, pour remettre en question les versions que j'avais apprises auparavant, en l'abordant avec une nouvelle perspective.
Tout ce que tu apprends changera ta façon de penser. J'adore que ma perspective soit remise en question, j'adore avoir tort, et plus important encore, je déteste être la personne la plus intelligente dans la pièce.
Repenser le « job de rêve »
Quand j'ai intégré RISD, je voulais travailler dans de grands studios d'animation.
Avec le temps, ça a changé.
J'ai commencé à questionner la nature du travail créatif en entreprise, les systèmes derrière les grandes institutions, et, plus important encore, quel type d'impact je voulais vraiment avoir. Que voulais-je que ma propre histoire signifie ?
J'ai commencé à faire du freelance pour des musiciens quand j'avais environ 17 ans et j'ai continué à travailler dans ce domaine depuis. J'ai 24 ans maintenant. Je ne dirais jamais à quelqu'un de passer en freelance à temps plein à moins d'être déjà bien établi. Ce serait imprudent. Mais c'est une excellente façon de continuer à rencontrer des gens vraiment cool et de travailler sur des projets formidables !
Il n'y a pas une seule « bonne » voie — mais ça signifie que l'école d'art peut fondamentalement changer la façon dont tu définis le succès. Pour moi, ça l'a vraiment fait ; la personne que j'étais en entrant en première année il y a 6 ans est très différente de celle qui a obtenu son diplôme il y a 2 ans.
Travail, stages et réalité financière
J'ai beaucoup travaillé tout au long de mes études.
J'ai travaillé à temps partiel au Edna W. Lawrence Nature Lab pendant toute ma scolarité. C'était l'un de mes emplois préférés que j'aie jamais occupés. C'était le propre musée d'histoire naturelle de RISD, rempli de centaines de taxidermies, d'os, de spécimens microscopiques, d'animaux vivants, et de ressources et installations incroyables. C'était tellement différent de tout ce que j'imaginais faire dans ma carrière, mais c'était une expérience tellement enrichissante et éducative. J'adore et je regrette cet endroit.
J'ai aussi continué mon activité de freelance. L'un de mes emplois préférés a été de faire partie de l'équipe d'animation pour le clip « One of Those Days » de Zach Bia avec Lil Yachty. J'ai obtenu beaucoup de travail par le bouche-à-oreille. Il est important de construire des liens à travers l'amitié et pas seulement à travers du networking superficiel — la plupart des gens voient tout de suite quand tu n'es pas authentique.
Équilibrer travail et études est difficile, mais c'est aussi nécessaire, surtout dans les domaines créatifs.
Les stages, d'après mon expérience, sont ce que tu en fais. Certaines personnes poursuivent des stages corporatifs structurés, et d'autres empruntent des voies non conventionnelles — apprendre des communautés, expérimenter, ou travailler de manière indépendante. Il existe des plateformes comme NYFA.org et Handshake qui peuvent aider les étudiant·e·s intéressé·e·s à se connecter avec des opportunités professionnelles, et même un soutien à l'avancement de carrière au sein de RISD lui-même.
Je suis définitivement en train de suivre ce que mes parents considèrent comme un chemin non conventionnel, mais c'est la réalité pour beaucoup d'artistes. J'occupe un emploi à temps partiel aléatoire et je prends les emplois artistiques que je veux faire en parallèle. Ça me donne beaucoup de flexibilité créativement, mais pas beaucoup financièrement.
J'ai quelques amis qui ont suivi un chemin plus traditionnel. L'une de mes très proches amies est allée à Parsons, et chaque été elle a fait un stage important dans une grande entreprise. Elle a finalement obtenu un poste dans un grand cabinet de design corporate. Mais je pense que maintenant elle commence à réaliser que le design corporate n'est pas nécessairement le monde dans lequel elle veut être — ce n'est pas le type d'environnement qui l'inspire vraiment.
Je pense que ça se connecte à quelque chose qu'on vit en école d'art. Quand tu y es, tu regardes du mauvais design et tu te dis, « franchement, ce designer est nul. » Mais une fois diplômée, cette perspective change. Tu regardes le même type de travail et tu te dis, « Celui ou celle qui a fait ça n'avait probablement pas le choix et avait un patron médiocre sans vision. »
Ce changement de mentalité vient de comprendre à quel point on perd d'autonomie quand on ne crée plus pour soi-même. Tu dois t'immerger dans le monde ; l'art ne peut pas être isolé des expériences humaines viscérales.
Il n'y a pas un chemin correct.
Ce qui compte, c'est la curiosité :
Tu ne peux pas créer pour le monde si tu n'as pas vécu dans le monde.
Communauté et identité
La partie la plus précieuse de RISD, pour moi, c'était les gens.
J'y ai trouvé certains de mes amis les plus proches — des personnes avec qui je vis et travaille encore aujourd'hui. Être entouré d'autres artistes crée une sorte de compréhension partagée difficile à reproduire ailleurs.
L'art, c'est la communauté.
Je me suis aussi connectée avec beaucoup d'étudiant·e·s internationaux naviguant des identités entre-deux similaires aux miennes.
RISD, comme beaucoup d'écoles d'art, existe dans un système plus large de privilège et d'accès — et c'est quelque chose dont j'ai pris conscience au fil du temps. Être dans cet environnement m'a poussée à réfléchir plus critiquement sur qui a accès à l'art, comment l'art est valorisé, et quelle responsabilité implique le fait de pouvoir créer.
Plus largement, l'école d'art encourage le questionnement constant — chaque « si » et chaque « pourquoi ».
- Pourquoi occupes-tu cet espace ?
- Es-tu la bonne personne pour l'occuper ?
- Et qu'est-ce que ça signifie même de s'engager avec un espace en premier lieu ?
Conseils finaux
Si tu envisages l'école d'art, voici ce que je te laisserais :
- Arrête de courir après la perfection, elle n'existe pas
- Concentre-toi sur comment tu penses, pas seulement sur ce que tu produis
- Observe tout : les gens, les espaces, les patterns
- Place-toi dans des environnements qui te sont inconnus
- Et surtout, tombe amoureux·se du processus de création
L'art n'est pas un chemin linéaire. C'est incertain, subjectif, et en constante évolution.
Mais si tu es prêt·e à t'engager avec cette incertitude, ça peut aussi être l'une des choses les plus significatives que tu feras.
